ORYX
Tras lanzar un más que impecable debut, la banda de Denver ORYX, ahora convertida en trío, regresa con “Lamenting a Dead World”, un Sludge/Doom con muchas facetas, capas, tonos y registros que se caracteriza por una intensidad que se mantiene de principio a fin y un ambiente terriblemente siniestro y terrorífico. Hoy hablamos con su batería, Abbey, sobre este disco; las colaboraciones, los temas, pero también de cómo lleva la inclusión y la diversidad el Metal, las estructuras de poder, el capitalismo salvaje y más.
-Hola, muchas gracias por responder a nuestra entrevista. ¿Qué tal va todo con el grupo? ¿Con qué andáis liadxs?
Abbey Davis: ¡Hola! Gracias por las preguntas. Estamos liadxs ensayando y preparándonos para que cuando los conciertos vuelvan a su estado normal. ¡Es muy emocionante saber que la música en directo está a punto de volver!
-Vuestro disco más reciente, “Lamenting a Dead World”, salió hace algunas semanas. Creo que es vuestro álbum más dinámico hasta la fecha. ¿Tuvo algo qué ver con eso el hecho de ser vuestro primer trabajo como trío? ¿De qué manera afecto la formación a la obra?
Incorporar un tercer componente impactó en la composición ayudándonos a expandirnos en nuestra música con ideas que no habíamos explorado antes. Tener un bajista en la mezcla le permitió a Tommy (guitarrista) centrarse más en las capas de riffs y en hacer solos.
-También es la primera vez que trabajáis con Translation Loss. ¿Por qué este cambio a un sello más grande?
Queríamos que nuestra música llegar a un público más amplio, especialmente con este disco en particular. Sabíamos que Translation Loss Records era la decisión adecuada por su larga historia trabajando con algunas de nuestras bandas preferidas y por su esfuerzo en sacar vinilos bonitos. Desde el principio ha sido una experiencia increíble trabajar con ellos. Entendieron nuestra visión y ayudaron a impulsar el álbum a nuevas alturas. Para nosotrxs es un honor estar en su catálogo.
-En general parece que es vuestra obra más ambiciosa hasta la fecha. ¿Os pusisteis metas más altas?
Al empezar la fase de composición, sabíamos que queríamos experimentar añadiendo capas y dimensiones a nuestras canciones. Añadimos sinte y otros nuevos ambientes que nos llevaron a componer con más dimensión y profundidad que en trabajos anteriores. Quedamos orgullosxs del resultado final y llevaremos estas experiencias a futuras sesiones de grabación con el próximo disco.
-¿Cómo afectó la pandemia al disco y a la forma de intelectualizarlo ahora?
Nos dio más tiempo para editar el material que habíamos empezado a componer antes de que empezara la pandemia. Atrasó la fecha de la grabación, y con ese tiempo extra pudimos dedicarle más tiempo a los riffs que habíamos escrito y a decidir qué debíamos añadir o editar. Por una vez fuimos a nuestro aire en comparación con cómo nos solemos sentir presionados por grabar entre giras o conciertos, y todo lo que tuvimos fue tiempo para centrarnos en componer y sacar el mejor material posible.
-Habéis contado con las colaboraciones de Ethan McCarthy, Erika Osterhout y Paul Riedl. ¿Cómo y por qué se os ocurrió la idea de tenerlxs? ¿Qué han aportado con sus contribuciones?
Estxs amigxs nos inspiran con sus propios proyectos musicales, y lxs contactamos para ver si querrían colaborar con las canciones que estábamos componiendo. Cada unx de ellxs tiene muchísimo talento, y fue una gran experiencia trabajar con estxs músicxs. Aportaron su propio sonido único y creatividad a los temas.
-La temática del disco es casi apocalíptica, con guiños a la avaricia de nuestra sociedad. ¿Qué la inspiró? El disco se escribió en tiempos jodidos en los que pasaba mucha cosa a nivel político y social.
El album y las letras se acabaron durante el “clímax” de la pandemia. Queríamos debatir temas en torno al consumo y la eterna ansia de más de la sociedad. Esta pandemia ha dejado a la vista grietas en la sociedad y cuán egoístas pueden ser lxs demás cuando hay pocas provisiones. Nos basamos en nuestras emociones durante esta época para alimentar nuestra composición, tanto en cuanto a letras como a sonido. Fue un momento vulnerable e incierto, que impactó en la composición y en el sentimiento del disco.
-Esa avaricia, ese egocentrismo que he mencionado antes del cual habláis, ¿es institucional o individual? Sartre creía que “somos nuestras decisiones”, como ese ser que se destruye a sí mismo y se devora a sí mismo (como especies, no como individuxs). ¿Somos conscientes de estas decisiones? ¿O hay herramientas, elementos (capitalismo, etc.) que nos hacen tomar de manera inconsciente esas decisiones y convertirnos en estos seres egoístas?
Llegamos a este punto de vista en el cual la humanidad existe en una serie de estructuras jerárquicas. Estas estructuras son sistémicas y al final derivan de anteriores sistemas y estructuras anteriores, y demás. Estas estructuras han sido la génesis y el producto de incontables guerras que se remontan a milenios atrás. Hoy en día esos sistemas existen bajo la guisa de la digitación y la conveniencia. De todas formas, la intención sigue siendo la misma.
Llamarlo avaricia es es simplificarlo mucho, porque dentro de este sistema que dirige nuestra sociedad actual, todxs somos depredadorxs y víctimas a la vez. Por ejemplo, si la única comida que te abastece mientras tu residencia existe en un “desierto de comida”, tu decisión diaria no puede tener en cuenta si a lxs agricultorxs/ganaderxs de dicho abastecimiento de comida les pagaron lo suficiente, si la carne se crió/los vegetales crecieron y se cosecharon de manera ética. Las “decisiones” que has mencionado haciendo referencia a Sartre son ciertas, de todas formas al final están limitadas si la oferta de decisiones están amañadas. La “decisión” hace que el/la consumidorx sea tanto depredadorx como víctima porque, mientras no tienen ningún poder individualmente para transformar un sistema diseñado para que ellxs operen dentro de éste como consumidorx irracional, las pocas decisiones que les ofrecen, inevitablemente, apoyan totalmente la desigualdad y la división de clase, lo cual solo empeorará su propia situación. Este sistema de división guía el mercado capitalista “laissez-faire”, el cual insinúa que las mega compañías que poseen la mayoría de toda la economía mundial deberían crear sus propias reglas y existir bajo lo que dictan ser pautas éticas. Esta falta de directrices por parte de cualquier entidad gobernante ha llevado a nuestra sociedad a lo que es ahora un ambiente brutalmente competitivo en el que, quien tiene dinero, escribe las reglas. Como concepto, nuestro álbum “Lamenting a Dead World” pone el punto en el tuétano de esta enfermedad egoísta que plaga nuestro mundo. Luchamos contra las corporaciones y el mal institucional que es menos humano y más consumista en una época en la que la identidad se ha convertido en un total oscurantismo. Esto es una loa a la sociedad que ha perdido por completo su camino, con la esperanza de uno nuevo con más sentido de la moralidad nacido de las ruinas.
-En general es un disco muy intenso. ¿Qué es este álbum para vosotrxs? ¿Liberación? ¿Catarsis? ¿Qué ha significado para vosotrxs desatar estos sonidos y escupir estas letras?
Ambas cosas. Componer el álbum fue muy catártico. Terminar la grabación del álbum fue liberador. En una época tan caótica e impredecible, fue reconfortante cerrarnos en nuestro local de ensayo y centrarnos en componer música y construir cada canción, riff a riff.
-Me llama la atención el ambiente tan potente y extremadamente siniestro que envuelve todo el disco. ¿A dónde os gustaría llevar a lxs oyentes? ¿Qué imágenes mentales os gustaría pintar?
Queremos que lxs oyentes interpreten el disco a su propia forma.
-Para el arte habéis trabajado mucho en el pasado con Ethan McCarthy. Esta vez tenéis un cuadro de Ettore Algo del Vigo. ¿Qué motivó esto? ¿Y por qué esta pintura en concreto?
Tenemos una conexión profunda con el arte de Ethan porque hemos trabajado con él en todos los anteriores lanzamientos (menos un split) y en varios diseños de merch. Empezamos a buscar artwork en Internet un año antes de grabar “Lamenting a Dead World”. Cuando vimos el precioso trabajo de Ettore inmediatamente conectamos con su arte y su complejidad. Esta obra en particular encajaba el tono de nuestra composición y sabíamos que era la decisión correcta para este disco.
-Aunque todo está abierto a interpretación, en el cuadro hay una obvia referencia a la dualidad del hombre. ¿De qué manera conecta esto con las ideas del disco? Y, estéticamente, ¿por qué creéis que este cuadro es tan “metal”?
Nos sentimos muy conectadxs con el artwork, tanto por el tema como por la estética. Los temas de “La soledad de Judas” (el título del cuadro) y “Lamenting a Dead World” coinciden y conectan, pero la naturaleza del arte es la interpretación. Lo que cogemos del arte de Ettore Aldo del Vigo es una representación de grandes conceptos como “el bien y el mal”, “la vida y la muerte” y “creación y destrucción”. Estos temas existen en el disco también, y la cuestión de la audaz naturaleza del hombre y la muerte de un mundo dando lugar a uno nuevo.
-Dicho esto sobre “Lamenting a Dead World”; ¿cómo lo describirías con tres palabras?
Atmosférico, expresivo y expansivo.
-Que una banda de Metal tenga una batería mujer, desafortunadamente, sigue siendo casi anecdótico, y creo que seguimos en un puto como sociedad en el que la gente pone el foco en el género, especialmente cuando eres una mujer en una comunidad dominada por hombres. ¿Cómo lidias con esto?
Creo que en los últimos años he visto un influjo de mujeres sobre el escenario, y es muy gratificante ver el progreso. Pero las mujeres siempre hemos sido parte de la escena, sea sobre el escenario, entre el público o ayudando a montar el concierto. Quiero seguir viendo que el foco está en el inmenso talento de las mujeres músicas en el underground. También me gustaría ver festivales grandes expandiendo sus carteles para ser más inclusivos añadiendo músicas mujeres, pero también músicxs de diferentes historias culturales y comunidad LGTBQIA+. Cuando más invite a la diversidad en la escena la comunidad metalera, a más públicos llegará esta música y creará espacios seguros para quienes quieran asistir pero quizás aún no se hayan sentido cómodxs para hacerlo.
-De todas formas ahora hay organizaciones y movimientos, como Kill the King en Suecia, que nació como reacción al movimiento #MeToo. Con acciones y movimientos así, ¿dirías que la comunidad metalera es más inclusiva, o que al menos más consciente de algunos temas que no se trataban hasta hace poco?
Creo que la comunidad metalera está progresando con la inclusión, pero aún hay trabajo que hacer. Una cosa es empezar a echar a depredadores de la escena y que se exijan consecuencias, lo cual vemos está pasando más a menudo, y es algo bueno. Pero esto suele pasar después de que ya haya sucedido un asalto o incidente, así que es demasiado tarde. Creo que el siguiente paso es que más gente dentro de la comunidad diga que los comportamientos predatorios no son bienvenidos aquí. Esto significa intervenir cuando ves a un tipo mayor de un grupo famoso presionando a una mujer menor de edad. La mayoría de estos tipos que participan en comportamientos predatorios tienen un amigo o un compañero de grupo que los ha visto haciendo esta mierda. Así que dad un paso al frente y decid que no está bien. Esto tiene muchísimas capas, pero al final todo se reduce a cambiar la cultura que protege este comportamiento y asegurarse de que la gente que actúa de esa forma sepa que no es bienvenida en la escena. Las mujeres deberían poderse emborrachar en un concierto, o en cualquier bar, y llegar a casa a salvo. Pero eso requiere que la comunidad se asegure de que cada concierto es un lugar seguro.
– ¿Y qué es lo próximo para ORYX?
¡Seguiremos ensayando y preparándonos para tocar este disco muy pronto! Es un sueño tocar “LADW” para tanta gente como podamos. Estamos cerrando conciertos para 2022. ¡Estad atentxs!
– Esto es todo por nuestra parte, gracias una vez más por tu tiempo. Si quieres añadir algunas palabras finales; es tu turno.
¡Gracias por estas preguntas! ¡Saludos!
